ESCUELAS Y CORRIENTES FOTOGRAFICAS

      Con el nacimiento formal de la fotografía en 1826, se abrió una nueva ventana de oportunidades para nuevos artistas que quisieran desarrollarse en el campo. Se observo de inmediato que este era un campo fértil e inmaduro en el que se podía fácilmente incursionar y experimentar, sea cual fuere el gusto de quien lo hacía, ya que no se contaba con "reglas" ya definidas que guiaban o limitaban la expresión del artista, como en otras artes ya existentes: La pintura, la música y la literatura.

      Poco a poco podemos observar como los nuevos "fotógrafos", comienzan a reunirse en diferentes grupos, de acuerdo a su particular forma de realizar y llevar a cabo las fotografías, a estas agrupaciones les llamamos "Escuelas". Y cada una de ellas tuvo el propósito de enseñar y procurar la divulgación de su técnica, declarándola superior a la de sus colegas.

      Dado que la "Fotografía" tiene la herencia directa de la pintura y que los primeros "fotógrafos" fueron pintores, las primeras producciones fotográficas contaban con una alta calidad técnica, ya que ella pose como su antecesora la pintura una depurada técnica, tanto en iluminación, encuadres, profundidad de campo, puntos de fuga, etc. Además que prácticamente heredo su posición como "Arte".

      Sabemos que el arte es un proceso dinámico en constante evolución, caracterizado por sus posiciones antagónicas sobre los fines que “el arte” debe cumplir.

      En los distintos terrenos de la creación artística podemos observar cómo se han producido cambios radicales en su apreciación. Así, en la pintura el realismo y su máxima expresión el manierismo, fueron sustituidos por el abstraccionismo y el cubismo. En la literatura la novela de ficción fue substituida por la de no-ficción que encabezaba Truman Capote.

      En la fotografía también se han dado luchas y posiciones encontradas respecto a su quehacer, las diversas agrupaciones que dieron forma a lo que hoy conocemos como el medio de comunicación más prolífico y de mas penetración en cualquier cultura, sea cual sea su lengua, fortalecieron con el desarrollo de su técnica particular a la fotografía, y aseguraron su permanencia como medio de comunicación.

        Para comprender su alcance es importante, no solo analizar el proceso de nacimiento de la fotografía, sino también su desarrollo artístico y técnico que le llevarían con el paso del tiempo y con el mejoramiento de la "química y la física" a evolucionar hasta ser lo que conocemos hoy.  

1.- Escuelas de la fotografía:

      La primera escuela fuerte dentro de la fotografía es el “Pictorialismo”, que estaba dominado por la aseveración de que la fotografía era también un gran arte, pero aunque diferente a la pintura del período, se trataba de imitar en sus resultados a esta. La producción fotográfica se componía básicamente de retratos, paisajes y alegorías utilizando técnicas para producir foco suave, retoque y una iluminación penumbrosa. Todo ello con la intención de que el resultado final fuera semejante a una pintura.

      En contra del Pictorialismo fotográfico, nacen los “Puristas”, quienes pensaban que la foto debería ser usada de tal forma que permitiera afirmar sus propiedades únicas. Los puristas hacían énfasis por la fidelidad hacia el sujeto, visto por el fotógrafo con un lente de gran definición y con un proceso de mucha precisión. La foto se hacía sin ninguna manipulación y de preferencia por contacto. Ellos declaran que la fotografía es un “arte por sí misma” y que no necesita de manipulaciones ni retoques.

      A los puristas les surgen al paso los “Formalistas”, que se preocupan por la apariencia, más que por la sustancia del sujeto. Los fotógrafos están preocupados única y exclusivamente en la explotación de las cualidades fotográficas, hoy diríamos “en el look de la foto”. Sus imágenes se convierten en una afirmación de la fotografía más que en una interpretación del sujeto. Es decir, ellos reconocen a la fotografía como un medio con características propias, pero argumentan: “Si queremos retocar o manipular las imágenes para que estas luzcan… ¿Por qué no?”

                                                                                                                  

      Con Alfred Stieglitz a la cabeza nacen los “Equivalentes”, quienes defienden la idea de observar a los sujetos como equivalentes de emociones, estados de ánimo y sentimientos al interior de una fotografía. Una fotografía de una nube, es una metáfora o inclusive una experiencia intelectual. Cada emoción o estado de ánimo es traspolado a una fotografía donde el artista deja que su yo interno se fusione con la escena y esta sea capturada no como un paisaje o un retrato sino como una representación visual de sus emociones.

     

      Caracterizado por su casi nula referencia hacia los sujetos del mundo real y sus situaciones, nace el “Expresionismo Abstracto”. Influenciado por el movimiento pictórico de los 50’s, el Expresionismo Abstracto considera el lienzo y la impresión fotográfica como un campo de acción para los movimientos y emociones del artista. Objetos inanimados y escenas comunes son su materia prima.

2.- Corrientes Fotográficas:

“Campos de Arte Fotográfico”

      Mientras se fueron perfeccionando las herramientas del quehacer fotográfico, también se ha incrementado la habilidad para explorar nuestros alrededores. El paso del tiempo ha establecido divisiones arbitrarias de la producción fotográfica. Así tenemos disciplinas al interior de la foto donde se cultiva en gran medida el Blanco y Negro con una excelente calidad.

PAISAJE

      Una aproximación profunda pudiese considerarlo como el retrato del medio ambiente. Contiene obviamente montañas, desiertos, ciudades, fuertes, lagos, mares, etc. Si el hombre está involucrado o no, poco importa, lo que interesa realmente es la observación de grandes cosas, de enormes presencias naturales. Destacando: Ansel Adams, Minor White, Harry Callahan y Edward Burtynsky.

RETRATO

      Tomar y mirar fotografías de la gente es uno de los pasatiempos más persistentes dentro de la fotografía. ¿Qué es lo que hace interesante una fotografía de una persona? Definitivamente, el diseño, que es más evidente en Blanco y Negro. A pesar de que el cuerpo humano es básicamente simétrico, puede doblarse en un número fascinante de maneras distintas.

      La Gente es un sujeto emocional desde el momento en que reaccionamos a emociones, miramos a los ojos, a esa mirada fija que nos observa en la foto de una persona. El rostro humano en una fotografía habla sobre sentimientos pasados removidos, tocados y trasladados al presente.

      Destacan: Man Ray, Brassai, Philippe Halsman, Richard Avedon, Annie Leibovitz y Fernando Aceves.

HISTORIA VISUAL

      Quizá una de las mejores fotos dentro de este género es la “cándida y emocional”. Nos brinda la oportunidad de observar de cerca a una persona o acontecimiento sin riesgo de un bochorno.

      Aquí puede contenerse al fotoperiodismo y la fotografía publicitaria siempre y cuando se distingan por su limpieza y buena composición. El fotógrafo se limita a mostrar sucesos, situaciones o simplemente lugares o cosas, sin tomar en cuenta los detalles que les rodean. Es decir no son muy importantes el “Porque” y el “Como” sino solamente mostrar el “Que” en un lugar y tiempo determinado.

      Destacando aquí: Henri Cartier-Bresson, Robert Capa, David Seymur (Chim), Edward Weston, André Kertész, Robert Frank, Tina Modoti y Manuel Álvarez Bravo.

DOCUMENTAL

      Es quizá una de las características inherentes al quehacer fotográfico, es un punto donde la fotografía se mezcla con la antropología, la sociología y la psicología, aquí la foto se convierte en una ciencia humana. Se caracteriza por mostrar la explotación del hombre por el hombre, la virtud humana del trabajo y su esencial papel dentro de la vida del hombre. Trata de mostrar aspectos de la vida poniendo énfasis en las circunstancias que rodean a estos.

      Aquí el fotógrafo es un investigador que analiza y muestra el “Porque” y el “Como”, entendiéndolos como necesarios para poder comprender los sucesos. Este género fotográfico arranca junto con el fotoperiodismo de la 2da. Guerra Mundial y la Posguerra.

      Walker Evans, Eugene Smith, Robert Doisneau, Sebastián Salgado y Steve McCurry destacan.

EXPERIMENTAL

      Uno de los primeros que se atreven a retar la construcción fotográfica con una nueva lógica de pensamiento-acción fue el señor Man Ray. Su forma particular de gozar los desafíos al tabú fotográfico y del rompimiento de las reglas hasta ese momento establecidas dentro del campo fotográfico lo presentan como uno de los mejores experimentadores, secundado más tarde por Richard Avedon, Lazlo Moholy Nagy y Robert Mappletorphe.

      Podríamos hablar de que al interior de cada género fotográfico existen creadores experimentales que son retados a construir nuevas formas de ver, hacer y expresar la fotografía, ellos buscan reflejar emociones a través de nuevos caminos que le den nueva vida al género y a la misma fotografía.

NATURALEZA MUERTA

      El fotógrafo es una criatura visual que responde a los impulsos luminosos que percibe del medio ambiente que le rodea. Arreglando la colección de objetos que utilizamos a diario ciegamente, y la comida que digerimos sin pensar un segundo en ella, el fotógrafo organiza una exploración del mundo real y proyecta uno abstracto. La naturaleza muerta y sus objetos atraen al fotógrafo desde su obscuridad, retándolo a retratarlos como piezas invaluables de experiencia.

      La película es un lienzo donde puede plasmar estos objetos triviales y presentarlos en una perfecta y agradable armonía de formas, contornos, matices y colores, por el simple hecho de estar frente a él.

      Ansel Adams y Robert Mappletorphe